lunes, 28 de febrero de 2011

B-Side #20



Repaso a algunas de las confirmaciones del FIB (Atom Rhumba, Morning Benders, Pendulum), Sonar (Paul Kalkbrenner, Boys Noize, MIA, A-Track) y lanzamientos de ep's de Interpol, School Of Seven Bells, Cold Cave...

B-SIDE #20

sábado, 26 de febrero de 2011

50 Foot Wave, la escisión de Throwing Muses

Hay veces que los artistas necesitan alejarse del camino que siguen para probar suerte con otros estilos de música. O simplemente para satisfacer unas necesidades que no pueden desarrollar con sus grupos. Para ello, hacen trabajos en solitario, como Thom Yorke, o forman otros grupos como Jack White. O como Kristin Hersh, la ex cantante y guitarrista de Throwing Muses.

En el año 2003, y tras el último disco de Throwing Muses, la banda se separa y Hersh forma junto a su compañero Bernard Georges, 50 Foot Wave. También se les suma el batería Rob Ahlers.

Con 50 Foot Wave dejan de lado ese pop rock independiente a veces tranquilo y a veces con ritmos anárquicos propios de los Throwing, uno de los grupos de la vieja escuela.
Este nuevo proyecto de Kristin Hersh es mucho más ruidoso. Si bien en su primer grupo se notaba ese sonido ochentero, ahora suena más actual, con alguna reminiscencia de la década de los 90. De esta forma, sacrifican algo de la parte melódica en favor de altos decibelios y guitarras que rugen. Incluso tienen algunas pinceladas que recuerdan a la época de auge grunge.

En este caso, incluso la voz de Kristin Hersh, que ahora suena madura y rasgada, queda que ni pintada para la música que ahora practican. Se desgañita como ni por asomo lo hacía con Throwing Muses.
A pesar de ser gente veteranísima y tener este nuevo proyecto con casi una década de vida, sólo tienen un larga duración (Golden Ocean) y varios ep's.

A pesar de estar integrado por uno de los grupos míticos del movimiento alternativo, no son muy conocidos. Pero si algún día te los topas en un festival, seguro que vas a sudar de lo lindo. Consiguen sacarte esa vena furiosa que no viene mal de vez en cuando. 50 Foot Wave saca de ti la parte más primaria, como simple y primaria es la formación: un bajista, una guitarrista y el batería. Suficiente para agitar a las masas.

EL DORADO
CLARA BOW
LONG PAINTING

miércoles, 23 de febrero de 2011

Let's England Shake, un disco precioso


Estoy enganchado a uno de los que será seguramente uno de los mejores discos del 2011: el nuevo de PJ Harvey, Let's England Shake. He de reconocer que nunca he sido un especial seguidor de Polly Jean, pero este disco me ha atrapado.

Let's England Shake sigue esa estela que ha seguido más o menos en sus últimos trabajos -White Chalk, Uh Huh Her y A Woman Man Walked By parcialmente-, en la que se vuelve más liviana que en anteriores ocasiones. Sigue manteniendo su personalidad, pero esta vez su trabajo se vuelve más folk. Pero lo que más me ha llamado la atención de este nuevo trabajo es la producción, hay mucha instrumentación y pequeños detalles que le suman valor añadido a las canciones.

Siempre que uno de los pesos pesados cambia apuesta por una nueva propuesta, se arriesga a las críticas y a la disconformidad de sus fans. Probablemente sea algún sector de estos últimos los que echen de menos a esa predicadora de los años 90, cuando era una musa dentro del rock alternativo. Hay que aplaudir esta apuesta, creo que el álbum transmite cosas que antes no. Quizá sea debido a que grabó el álbum en una iglesia. El caso es que Let's England Shake es un cambio, como bien promulga el título del álbum. Es posible que a alguno le cueste digerirlo, y más si ha seguido la carrera de PJ Harvey. Pero hay que saborearlo poco a poco y saber disfrutarlo.

Es difícil no rendirse ante la voz cristalina que nos muestra, ante la sensibilidad y delicadeza de las canciones. Da la sensación de estar en armonía perfecta en canciones como On Battleship Hill. Nada despreciable su faceta más cantautoresca en England, la explosión contenida de Bitter Branches o Written On The Forehead, probablemente la canción que mejor representa lo que es este trabajo. Difícil resistirse al saxo de The Last Riving Rose o la trompeta de The Glorious Land. Son detalles de los que hablaba unas líneas más arriba.

Es difícil hablar de temas tan serios como la política y la sociedad inglesa y el imperialismo de los países desarrollados, y envolverlos en este bonito sonido.

PJ Harvey - On Battleship Hill by spastastic


Written On The Forehead by pjharvey

martes, 22 de febrero de 2011

B-Side #19




En la edición de ayer hablamos de Radiohead y su nuevo trabajo, escuchamos lo nuevo de Moby y nos centramos en algunas de las confirmaciones del BBK Live (Blondie, Kasabian, TV on the Radio...) y Vinalopop, y cerramos con un poco de Souvenir y Nirvana.


B-Side #19

domingo, 20 de febrero de 2011

All Kurt Apologies


Todos sabemos qué ocurrió el 23-F, pero ¿y en el 20-F? Concretamente en el 20 de febrero, tal día como hoy, de 1967. Pues que nació una de los mitos del rock. Uno de esos iconos que tienen el dudoso placer de pertener al club de los 27 (edad de sus muertes), en el que hay personajes célebres como Janis Joplin, Brian Jones, Jimmi Hendrix o Jim Morrison. Sí, es Kurt Cobain, Kurt Donald Cobain (muy comercial el segundo nombre), aquél melenas rubio de Nirvana que era zurdo como Paul McCartney.

El portavoz de la Generación X, estandarte de los jóvenes de la época y de otros tantos en la actualidad. Nirvana fue el megáfono de la contracultura que hizo llegar a las masas lo que habían estado gestando años antes grupos como REM, Pixies o Sonic Youth. Canalizaron esa ideología de no conformarse con Michael Jackson y Rick Astley. Había que hacer algo diferente. Era el principio de una alternativa; de la alternativa.

En cuanto a la música, Kurt logró expandir la fórmula "ruido/silencio/ruido" de Pixies, que fue lo que le llevó a lo más alto, a abrir una puerta para los próximos grupos noventeros, y, probablemente, a su autodestrucción. Después de debutar con Bleach, vio como sus ídolos underground fichaban por multinacionales o iban llegando poco a poco a las masas. Así que se puso a trabajar y vomitó Nevermind. Uno de esos discos que incluso los esquimales conocen. Bajo la producción de Butch Vig (guitarrista de Garbage) y con la incorporación de un joven Dave Grohl -que más que tocar, golpeaba la batería- consiguieron impactar a medio mundo y dar a conocer eso del grunge. La misma gente de Sub Pop, su sello, les dijeron que iba a ser un "suicidio comercial". No les faltó razón. Sólo consiguieron vender 30 millones de discos.
Y así es como Nirvana se convirtieron en estrellas, y cómo Kurt empezó a juntarse con la heroína. Empezaba a sufrir las consecuencias del éxito: estrés, depresiones, drogas... Estaba superado por los acontecimientos. Tras rehabilitaciones varias y convertirse en padre, volvieron al estudio. Y grabaron In Utero, con la producción de Steve Albini (productor de los Pixies), el disco en el que pretendieron alejarse de toda la masificación que habían conseguido con Nevermind. No había melodías pop de fondo como en su anterior álbum, era un trabajo más oscuro. Más crudo, más directo. Un auténtico guantazo en la cara con canciones como Serve The Servants, el atronador riff de Scentless Apprentice, la explosiva Rape Me, Pennyroyal Tea... Y por supuesto, All Apologies, el éxtasis final inmejorable para cerrar un disco.

Y desde luego, no nos podemos olvidar del Unplugged In New York, donde se puede apreciar la profundidad de las composiciones de Kurt. Donde muestra lo bonita que puede resultar su voz, a pesar de que suene desgañitada y quebrada. Uno de los mejores unpluggeds de la historia, en el que se pueden ver las canciones desnudas, que siguen sonando potentes a pesar de no estar acompañadas de la guitarra eléctrica.
Aún se le ponen a uno los pelos de punta al oír la desgarradora versión de Where Did You Sleep Last Night.

Cobain poseía todas las cualidades para llegar a convertirse en ese icono de la cultura musical que hoy es: se crió en un hogar roto, nació en un pequeño pueblo de pescadores donde probablemente no hay muchas oportunidades, le gustaban los Beatles, Ramones y Pixies. Y encima se drogaba.
Quizá no fuera uno de los mejores guitarristas, pero con unos simples pero potentes acordes conseguió emocionar y llegar a mucha gente que jamás le olvidará a él y a su música. Porque mientras sigamos escuchándole, él estará vivo. Ha tenido y tendrá siempre imitadores. Pero Nirvana no hay más que una y murió con Kurt.

Y después de este humilde homenaje, no dejo una de Nirvana porque todos las conocemos de sobra. Dejo una de Patti Smith, leyenda viva, dedicada a Cobain:

About a Boy



sábado, 19 de febrero de 2011

The King of Limbs, Radiohead descafeinado

Uno de los momentos más esperados del año. El retorno de Radiohead, con medio mundo pendiente de ellos. El anuncio a principios de semana de que hoy se podría ya descargar, comprar y oír el nuevo álbum, dejó en shock a millones de seguidores. Ayer se adelantaron y dejaron caer un vídeo con una de las ocho canciones, en el que se puede ver a un bohemio Yorke bailando espasmódicamente. Pero centrémonos en The King Of Limbs.

Las reacciones en los foros y páginas de música no se están haciendo esperar. Este último trabajo está resultando un poco descafeinado para la gran mayoría de los radioseguidores. Y es que el sonido es más bien propio del trabajo de Thom Yorke en solitario que con Radiohead. En King of Limbs dejan a un lado las guitarras. A nadie se le escapa que les chifla experimentar con aparatejos electrónicos y demás, pero siempre los han combinado con las guitarras. Pasan a un segundo plano para centrarse en un sonido más orgánico con melodías en las que imperan teclados y latidos percusionistas.

Obviamente, no se esperaba un Ok Computer, pero quizá sí un In Rainbows. Este último combina perfectamente canciones melodías bonitas (15 Step), guitarrazos (Bodysnatchers), canciones intensas (All I Need) y sensibilidad (Reckoner).
En King of Limbs se omiten algunas de estas características, o no aparecen en todo su esplendor. Queda todo un poco descafeinado. Sigue habiendo orgías sonoras como en Bloom, pero no es Packt Like Sardines In a Crushed Tin Box. También hay momentos para disfrutar a oscuras y con los auriculares como en Codex, pero no es Like Spinning Plates. No quiero basar esta crítica en comparaciones con los demás discos, pero creo que es la mejor forma de explicar qué me parece King Of Limbs.
Tampoco hay momentos en los que Thom alce un poco el tono de voz. No se llegan a las altas cotas de emoción de los trabajos anteriores. Le falta cuerpo, aunque esa es mi impresión personal. Otras veces Radiohead se comía el mundo, en esta parece al contrario. El sonido es tan intimista y tranquilo que parece que Yorke se haya reconciliado con sus quebraderos de cabeza. Ni siquiera se desfoga en una canción, se echan de menos canciones que provocaban catarsis en tu cabeza y le daban la vuelta a tu mente. Porque quien más y quien menos, todos hemos flipado con Radiohead. Pero con este disco es difícil flipar. Y a esta máxima tan simple se reduce todo. Habrá que darle más vueltas al disco a ver si cambia la percepción. De todas formas no todo es para ser pesimista. Little By Little es una gran canción. Y hay rumores de que tienen que sacar a la luz la segunda parte, ya que se trataría de un doble cd. A ver si es cierto y se han guardado algo más sorprendente.





miércoles, 16 de febrero de 2011

Cuzo, rescatando las viejas costumbres


Como ya es tradición, el Primavera Sound se convierte en otra vía para descubrir nueva música. Y es que a gran parte de los grupos que traen no los conoce ni el tato, algo que se agradece para ampliar gustos. También aprovechan, como es lícito, para dar a conocer grupos de la zona y que no han llegado a mucho público. Uno de esos conjuntos es el que más me ha llamado la atención. Su nombre es CUZO. Un grupo catalán del que no sólo me sorprende su música, sino su propuesta. Rescatan un género que hoy por hoy, no tiene ni por asomo la repercusión de antaño: el rock progresivo y psicodelia. Algo que actualmente nadie se preocupa de tocar, parece que se extinguió acabados los 70's. Aún hay gente interesada en seguir este camino, pero es casi un movimiento de culto. Lo que sí está claro es que Cuzo no son pioneros en Cataluña. Ya existía esa tradición por el rock progresivo en España, por ejemplo con Smash, y también en Cataluña, con Iceberg.

Cuzo es el resultado de la fusión de integrantes de Warchetype, Lords Of Bukkake y 12twelve. En el año 2008 debutaron con Amor y Muerte en la Tercera Fase, donde ya empezaron a practicar esa combinación de rock progresivo y psicodelia. Pero además, están abiertos a la experimentación con sonidos poco propios del género, incluso algo electrónicos en ocasiones.
En el pasado 2010, vio la luz su segundo larga duración, Otros Mundos. Un apasionante paseo de 7 canciones que difícilmente te dejará indiferente. Es una serie de pesados riffs de guitarra que de repente abandonan el ritmo que llevaban para transformarse en frenetismo puro. Una oda a la época auge de rock progresivo, ideal para tocar en un recinto al aire libre y dejarse llevar por estos ritmos demenciales con un sonido "viejo" muy bien adaptado a nuestra época.

Igual puede gustar a un fan de los Doors, a uno de Led Zeppelin que a uno de Rage Against The Machine. Incluso a algún acérrimo de los drones.
Como el grupo no es muy conocido, es difícil encontrar por ahí algo suyo, aunque se puede disfrutar de ellos en Spotify y en su myspace.


lunes, 14 de febrero de 2011

B-Side #18 Especial San Calzonazos




En este bonito/despilfarrador/corriente/odioso, dependiendo de la persona, 14 de febrero, hacemos un repaso a algunas canciones de amor/desamor. El B-Side más rosa hasta el día de hoy. Lo que no implica que podamos disfrutar de cancionazas como las de Pixies, Arcade Fire, Metallica, Radiohead, Smashing Pumpkins, Patti Smith, Vitalic o Andrés Calamardo.


B-Side #18 Especial San Valentín

sábado, 12 de febrero de 2011

Crónica Delorean @La Llotja


Ni siquiera se presentaron. No lo necesitaban. Todo el mundo sabe ya quiénes son Delorean y qué hacen. Y si no que se lo pregunten a los organizadores del Coachella 2011, que han decidido contratar sus servicios para ese pedazo de festival en el que estarán ilustres como Chemical Brothers, Arcade Fire, Strokes, Interpol o The National. Con Subiza, se ha consolidado su prestigio a nivel internacional.

Abrieron con Stay Close, la primera canción de Subiza. Los más cercanos al escenario ya empezaban a botar con esos coloridos sonidos. Los de Zarautz en seguida asumieron su papel de banda importante y fueron de menos a más. Es cierto que faltó algo de potencia, pero lo supieron compensar con esa sección rítmica que te enganchan a las primeras de cambio y obliga a tu cuerpo a bailar. Cuando la gente iba conectando con la atmósfera deloreanera sonó Deli, para agitar más aún al personal. Las aplausos entre canción y canción eran más largos de lo habitual, lo que mostraba el éxtasis del público.
Enseñaron sus cartas y justificaron por qué se merecen estar en el Coachella ; por momentos recordaban a otros grandes nacionales como El Guincho o a gigantes como Animal Collective. Con su propuesta demostraron que es un grupo único en el panorama indie nacional.

Mientras sonaban No Name y otras como Simple Graces, uno de los dos teclados parecía estar totalmente absorbido por la ambientación que creaban sus propios compañeros, zarandeaba el sintetizador de una forma que en cualquier momento podría haber salido por los aires. Ellos mismos sucumbieron al "monstruo" que han creado. Y a pesar de que no sonaron As Time Breaks Off o Los Muertos, deleitaron a los asistentes y dejaron un buen sabor de boca. Y con esas escuetas palabras con las que vinieron ("Gracias" y "encantados de estar aquí"), se marcharon. Ya hablaron suficiente desde el escenario.









jueves, 10 de febrero de 2011

El retorno de los jefes post-rock


Seguramente 2011 quedará marcado por ser el año de muchos regresos importantes. Y también será un buen año para el post rock. En pocos meses llegará el nuevo trabajo de Explosions In The Sky. De momento, el que ya podemos saborear es el último de Mogwai, uno de los grupos tótem del género.

Con ete nuevo álbum, demuestran por qué son uno de los grupos más influyentes del post rock y por qué tienen tanta trascendencia. Hardcore Will Never Die, But You Will es una obra justamente medida, de principio a fin. 10 temas perfectamente calibrados para conseguir disco equilibrado y consecuente canción a canción. Se amoldan a un sonido más moderno para no centrarse tanto en los patrones clásicos del género.
Es un trabajo más enérgico y ruidoso de lo habitual y que prescinde de ese aura oscura y triste de otros discos.

A lo largo de los años han ido dejando a un lado esa parte más pesada y esas canciones que iban en aumento hasta que estallara la explosión, una fórmula bastante rayada en el género. En esta última época se dejan quere más por canciones de rock más accesibles para no fans postrockeros. Quizá pierde algo de emotividad pero es igualmente intenso.
La parte vocal no es algo que sea esencial en su música, pero esa voz distorsionada queda perfectamente ensamblada en la arquitectura de canciones como Mexican Grand Prix o George Square Thatcher Death Party. Es casi imposible no caer rendido ante la atmósfera de Rano Pano, la frescura de San Pedro o la intensaDeath Rays. Y para finalizar, You're Lionel Richie, una canción post rock a la antigua usanza: larga y que va aumentando sus decibelios conforme va avanzando.

En definitiva, otro trabajo de los escoceses Mogwai. Un disco de oída fácil para alguien que no esté acostumbrado a su música, pues el equilibrio de las diez canciones hace que no se haga monótono.
Será un placer -para el que pueda- asistir al concierto del Primavera Sound y sumergirse en su atmósfera.








lunes, 7 de febrero de 2011

B-Side #17




En el B-Side de hoy rendimos un pequeño homenaje a White Stripes y atendemos unos minutos a lo nuevo de Nudozurdo, The Pain of Being Pure At Heart y Dum Dum Girls. Además, el repaso a las nuevas confirmaciones de SOS 4.8, Low Cost y Primavera Sound.
B-SIDE #17

sábado, 5 de febrero de 2011

Aphex Twin - Heliospan


Hace unos días, salió un interesante debate en una de esas páginas musicales que frecuento diariamente. Era Noctamina, que versa sobre electrónica. Hubo varias entradas en las que se hablaba de la electrónica actual, del estado de salud del género. Algunos defendían que hace tiempo que hay un estancamiento, que sale últimamente mucho imitador y poco talento. Quizá haya parte de razón en ello, con la tecnología actual, producir música está al alcance de cualquirea, que sea de calidad o no ya es otra cosa. Siempre hay algo bueno, hay que encontraro. Pero realmente hay material clásico que lo oyes y sí que piensas que ya no se hacen cosas de estas, como probablemente sea el caso de la canción que muestro hoy.

Paralelamente, en otra página de la que soy asiduo, Hipersonica, alguien comentó algo contra la electrónica. Pero con los típicos argumentos de garrulo de "lo que yo escucho es mejor", flipándose porque escuchaba Led Zeppelin, Doors, AC/DC etc. Sí, todo muy respetable, pero se metió en un berenjenal sin venir a cuento. Probablemente fuera un carca que no ha evolucionado. El caso es que hay gente que aún no ha aprendido a desprenderse de los prejuicios musicales sin, por lo menos, oír antes de criticar.

A toda esa gente que aún tiene prejuicios en la electrónica, que como en todo hay cosas buenas y malas, va dedicada esta canción.
Es de uno de los genios contemporáneos. Una de las figuras más influyentes de los últimos tiempos. Un tipo que con apenas 14 años ya componía y hacía sus pinitos con sintetizadores. Ha tocado varias ramas de la electrónica, desde el techno hasta el jungle pasando por la IDM o el drum n bass. Y siempre ha salido vencedor.

Es Richard D. James, o lo que es lo mismo, APHEX TWIN. Uno de esos visionarios que salen de vez en cuando y que tienen un talento innato para ver la música desde un punto de vista que pocos se pueden permitir. Música compleja que juega con las emociones y los ambientes de una forma inaudita. La primera parte de Analogue Bubblebath, que data de principios de los 90, es una muestra de su habilidad. Una música ambiental que poco tenía que ver con lo que se hacía entonces, aún con resquicios del acid house. Por nombrar alguna de sus piezas, Selected Ambient Works 85-92 es una sesión exquisita para los paladares más sibaritas. 75 minutos de música ambiental magistralmente combinada con pinceladas acid, una inmersión total en el universo Aphex Twin.

Y toda esta parafernalia es sólo para demostrar a los más radicales, que no sólo las guitarras y las grandes composiciones clásicas son capaces de transmitir. También la electrónica es capaz de llegar a lo profundo de la persona para emocionar. Y una pequeña muestra, esta joya de Richard D. James. Pasen y vean:

HELIOSPAN

viernes, 4 de febrero de 2011

White Stripes se separan para ¿siempre?


Aún recuerdo cuando vi por primera vez el videoclip de Dead Leaves And The Dirty Ground en Telehit. Era un grupo que no conocía, y la canción era brutal. Una flipada para mi hermano y para mí. Me acuerdo sólo de la primera vez que oí a determinados grupos. White Stripes es uno de ellos. Dúo en este caso. Desde ese momento, Jack y Meg White se convirtieron en uno de esos combos a los que no podía perderles la pista, lo que se confirmó cuando después vino Hotel Yorba.
Dos años después llegaría Elephant, el álbum que les catapultó a lo más alto por culpa de canciones arrolladoras como Black Math, I Just Don't Know What To Do With Myself, The Hardest Button To Button, Hypnotize, The Air Near My Fingers... y sí, obviamente Seven Nation Army. Más conocida por los garrulos como el "lo lo lo lo lo" (interpretar con el ritmo de la canción). Un tema que parece que se haya hecho más pupular, ojo, que La Macarena. Y eso ya es decir. A veces me resulta aborrecible, sobre todo cuando los del "lo lo lo" usan esas tres sílabas para canturrear en cualquier festival. La culpa la tiene Jack White, por idear esa combinación de guitarra emulando al bajo hasta que aparece el eléctrico estribillo, arrolladora para un gran número de mortales.

Los White de sus principios son dignos de escuchar muy detenidamente, podría representar una sorpresa para los que no conocen vida más allá del Elephant y posteriores. Yo lo comprobé una vez. En su debut, se dejaba entrever ese aire fresco de garage y blues-rock que les caracterizaría en los años siguientes. Fue en sus inicios cuando más cerca estuvieron de ese blues-rock; con un The White Stripes que parecía hecho con tres acordes y que era demasiado largo, y con un De Stijl más corto pero mejor: más variedad y con los justos arrebatos de energía para no caer en lo repetitivo.
Tras un buen White Blood Cells, que a pesar de que es más de lo mismo y uno puede empezar a aborrecerlo, llega el Elephant. El primer álbum que sacan con una diferencia de dos años respecto al anterior trabajo. Y vaya usted a saber, precisamente el primero en el que el propio Jack White se encarga de la producción "para explotar toda su creatividad", cómo él mismo afirmó, se convierte en el éxito total. Y así es como se creó uno de los mejores discos de la década.

Y con ese intervalo de un disco cada dos años, para que la creatividad de Jack se tome un respiro, llega en 2005 Get Behind Me Satan, el menos guitarrero. Además, empiezan a utilizar el piano y otros arreglos para la producción que no habían usado antes. Para la despedida, Icky Thump, gran trabajo donde por momentos se vuelven caóticos como no habían hecho antes en sus discos anteriores.

Esta es brevemente la discografía de los White Stripes, la que les ha hecho ser uno de los grupos imprescindibles de la década de los 2000. Para el recuerdo quedarán sus canciones. Mostraron como convertir algo simple, una guitarra y una batería, en una explosión de música enérgica y de calidad.
Uno de los daños colaterales de su éxito es que relegaron a un segundo plano a los Black Keys, que como mínimo, tienen el mismo talento.

La verdad es que es algo que sólo era cuestión de tiempo, teniendo en cuenta los proyectos paralelos de Jack White con Dead Weather y Raconteurs. Ahora Meg podrá dedicarse a lo que quiera. ¿Podían haber hecho una gira de despedida? Pues sí, pero bueno, siempre se pueden juntar dentro de unos años, que parece que está de moda.
A pesar de que la noticia cayó como un jarro de agua fría, al menos han tenido señorío a la hora de despedirse. Han dicho que se separan "para preservar lo bonito y especial de la banda y mantenerlo así". En cierto modo, es mejor ahora que se separen ahora y así para que no estropeen su discografía y se arrastren como hacen otros. De todas formas, se seguirá mostrando material inédito de la banda a través de la discográfica.

Quizá ha habido demasiado bombo con los White, pero no se les puede negar que han sido grandes.



"The White Stripes ya no pertenecen a Meg y Jack. Os pertenecen ahora y siempre que lo queráis. La belleza del arte y la música permanecen para siempre si la gente lo desea".